La moda del próximo año mira hacia atrás para reinventarse, y encuentra en el Siglo de Oro español un universo inesperado de inspiración. Lo que parece un simple guiño histórico se convierte en un diálogo profundo entre pasado y presente, impulsado por diseñadores que reinterpretan elementos del XVII para darles una estética contemporánea. La pasarela, a su manera, revive la solemnidad de los retratos cortesanos y la transforma en propuestas vibrantes, experimentales y llenas de carácter.
Aunque las metrópolis de la moda a nivel mundial dictan las pautas anualmente, en esta ocasión el foco simbólico parece trasladarse a la capital española. No es que la urbe encabece la industria de forma directa, sino que sus resonancias culturales, particularmente las asociadas a personalidades como Diego Velázquez y las damas de la corte de Felipe IV, resurgen en vestimentas, formas y elementos que definirán la colección primavera-verano 2026. Los creadores no pretenden replicar la estética barroca, sino reinterpretarla con una perspectiva conceptual: armazones firmes convertidos en volúmenes impactantes, cuellos imponentes transformados en capas esculturales y mangas decorativas simplificadas a trazos que insinúan dinamismo.
Esta corriente estilística no es una reconstrucción histórica, sino una reinterpretación libre que traza puentes entre épocas. Y aunque parte del imaginario proviene de iconos como las Meninas o los retratos ecuestres de Isabel de Borbón, lo que se observa en pasarela tiene una narrativa propia que dialoga con las formas, proporciones y dramatismos que definieron el vestir cortesano del s. XVII.
Las nuevas formas de los cuellos estructurados
Uno de los elementos más llamativos de este renacimiento histórico es el cuello. Las cortes españolas del XVI y XVII elevaron esta parte del atuendo a una declaración de estatus, y esa teatralidad regresa con un lenguaje completamente renovado. Aquellas lechuguillas rígidas y elaboradas que lucieron figuras como la infanta María, hermana de Felipe IV, reaparecen en colecciones donde se convierten en estructuras flexibles, capas esponjosas o bordes ondulados que rodean el rostro.
Firmas como Edeline Lee, Dior y Schiaparelli recuperan el protagonismo del cuello a través de materiales inesperados. La propuesta de Edeline Lee destaca especialmente: transforma el concepto tradicional de la gorguera en un accesorio voluminoso que se eleva desde los hombros, envolviendo la parte superior del torso con dramatismo. Dior, con la dirección creativa de Jonathan Anderson, apuesta por blondas de encaje reinterpretadas mediante siluetas que ocultan sutilmente parte del rostro, mientras Schiaparelli incorpora texturas rígidas que recuerdan a los tejidos almidonados de antaño, pero con una ejecución claramente moderna.
Este tipo de estilismo aporta una sensación de solemnidad controlada, casi ritual, que no pretende replicar los códigos del s. XVII, sino sugerirlos. Los diseñadores utilizan estos collares escultóricos como puntos focales que dan carácter a vestidos, chaquetas y tops, generando un impacto visual que enlaza directamente con la herencia cultural española sin caer en el literalismo.
En todos los casos, el cuello deja de ser un detalle para convertirse en una pieza central del atuendo. Este gesto es precisamente el que conecta la moda actual con la tradición cortesana: una estética donde la parte superior del cuerpo tenía un protagonismo absoluto y definía el estatus social de quien la portaba.
Perfiles imponentes: desde el verdugado hasta el guardainfantes
Si existe un rasgo distintivo en la indumentaria del Siglo de Oro, es la forma en que las damas de la corte moldeaban su silueta con armazones internos. Para el año 2026, este interés por el volumen retorna, aunque con una perspectiva moderna que elude las exageraciones y realza la expresividad.
Firmas como Carolina Herrera revivieron esta tendencia con notable vigor en su presentación en Madrid, donde Wes Gordon exhibió una colección que fusionaba la esencia de la Madrid contemporánea con la vestimenta del siglo XVII. En lugar de replicar fielmente los atuendos estructurados de la época, el diseñador reimaginó la grandiosidad de esas faldas amplias que caracterizaron la silueta de entonces, rememorando los cuadros de figuras como Margarita de Austria, inmortalizada por Juan Pantoja de la Cruz con ricos bordados dorados y una presencia majestuosa.
Sin embargo, la tendencia que dominará las pasarelas para el año 2026 es la forma inspirada en el guardainfantes: una configuración que otorgaba amplitud a los lados de la cadera, generando una silueta ovalada y voluminosa. Este estilo alcanzó gran popularidad en la década de 1630 y se vinculó especialmente con personalidades como Mariana de Austria, a quien Velázquez inmortalizó en varias ocasiones luciendo este distintivo armazón.
Diseñadores como Simone Rocha, Giambattista Valli y Alaïa incorporan esta influencia mediante faldas laterales exageradas, estructuras acolchadas o tejidos que se expanden hacia los costados con un volumen controlado. No se trata de copiar la forma rígida del guardainfantes, sino de capturar su esencia: la idea de presencia, autoridad y dramatismo.
Históricamente, estas estructuras también tenían lecturas políticas. Isabel de Borbón, nacida en Francia, tardó en adoptarlas debido a tensiones diplomáticas entre la corona española y su familia de origen. Sin embargo, una vez que comenzó a emplearlas, las transformó en un símbolo de poder durante los periodos en que tuvo que asumir responsabilidades de gobierno mientras Felipe IV estaba en campaña militar. Los vestidos completamente negros, con adornos de estilo marcial y amplios guardainfantes, funcionaron como una forma temprana de “power dressing”, similar al simbolismo que adquirirían las hombreras en figuras contemporáneas como Margaret Thatcher.
Esa esencia de liderazgo femenino, manifestada en siluetas elocuentes, parece tener una gran resonancia en la indumentaria contemporánea: una afirmación del territorio personal a través del diseño.
La transformación de mangas, hombreras y faldones
El auge del Siglo de Oro no se limita a cuellos y faldas: buena parte de la estética de 2026 también retoma elementos de las mangas complejas, los brahones y las faldillas, reinterpretándolos desde una perspectiva moderna.
Las mangas del XVII eran verdaderas piezas arquitectónicas y, en muchos casos, más ornamentales que funcionales. Isabel de Borbón, por ejemplo, las lució con formas puntiagudas o redondeadas en varios de los retratos atribuidos a Velázquez. Hoy, diseñadores como Stella McCartney, Sacai y Coperni reinterpretan este concepto mediante mangas abiertas que permiten ver parte del brazo, o mediante superposiciones que juegan con la forma sin caer en el barroquismo extremo.
En cuanto a los brahones —esas hombreras estructuradas que podían sobresalir con rigidez desde los hombros— la moda actual los reincorpora con sutileza. Moschino los reimagina mediante camisas con volantes amplios que generan una sensación de expansión lateral; Max Mara y Kolor los integran en gabardinas y chaquetas con volúmenes controlados o fruncidos estratégicos, manteniendo la esencia de amplitud sin convertirlos en piezas teatrales.
Las faldillas regresan con fuerza. Aquellas diminutas estructuras que realzaban la cintura y las caderas en el siglo XVII se manifiestan de nuevo en blusas actuales que evocan el peplum, una tendencia reciente en las pasarelas. Creaciones de diseñadores como Marques’ Almeida o Dries Van Noten reinterpretan esta silueta utilizando tejidos firmes, pliegues o construcciones en paneles que rememoran las vestimentas de inspiración militar que lucían figuras como Isabel de Borbón en algunos retratos de la década de 1640.
La evolución histórica de este elemento, tal como explica la historiadora Amanda Wunder, muestra cómo las faldillas cambiaron de tamaño, forma y simbolismo a lo largo del reinado de Felipe IV. Su regreso en 2026 no es casual: acompaña una tendencia global hacia la redefinición de la cintura como punto focal, añadiendo un toque de estructura que combina suavidad con presencia.
La cuera: un retorno entre lo clásico y lo moderno
El último elemento que reaparece con fuerza en la temporada 2026 es la cuera: una prenda superior propia de la vestimenta cortesana femenina, reconocible por terminar en punta desde la cintura y acompañarse de faldillas y mangas colgantes. Isabel de Borbón fue una de las figuras que la usó con más frecuencia en retratos y actos oficiales.
Diseñadores contemporáneos como A.W.A.K.E Mode y Andreas Konthraler para Vivienne Westwood retoman este concepto desde la vanguardia: sus corpiños y vestidos muestran una estructura que afina la línea del torso, marcando una silueta triangular que evoca, sin replicar, la estética del XVII. No se perciben como recreaciones históricas, sino como prendas afiladas que equilibran la artesanía moderna con la elegancia formal del pasado.
En estas propuestas se percibe claramente cómo la moda actual utiliza la historia como un laboratorio de ideas. Cada diseñador toma un fragmento, una forma o un concepto del siglo XVII, lo pasa por el filtro de su propio lenguaje y lo transforma en piezas que responden a los gustos, necesidades y sensibilidades del siglo XXI.
Una convergencia entre arte, historia y expresión contemporánea
La inspiración en el Siglo de Oro para la moda primavera-verano 2026 no obedece a una nostalgia estética. Se trata más bien de una fascinación por la forma, por la presencia visual que definió la corte española, por la capacidad de una prenda para comunicar estatus, fuerza o sensibilidad. La moda actual recoge elementos de cuellos, volúmenes y estructuras para reinterpretarlos como símbolos modernos de estilo, elegancia y poder.
Este nexo entre las representaciones pictóricas de Velázquez, las determinaciones políticas de Isabel de Borbón o Mariana de Austria, y las creaciones de diseñadores actuales, evidencia más que una moda efímera: ilustra cómo los patrones históricos pueden adquirir una renovada relevancia al ser incorporados en un entorno mundial donde la indumentaria se concibe como relato, como manifestación y como disciplina artística.
En resumen, la colección primavera-verano 2026 se perfila como un periodo donde el pasado actúa como motor de la inventiva. Si algo evidencia esta tendencia, es la persistencia de la herencia del Siglo de Oro, que se reinventa para encajar en una era que aún valora la grandiosidad, la minuciosidad y la habilidad de una vestimenta para narrar un relato.
